A talk with Simon Castets

Come ti sei appassionato all’arte contemporanea? C’è stato un evento particolare che ha fatto scattare la scintilla?

È una scintilla che continua a riaccendersi ogni volta che mi imbatto in un’opera che penso contribuisca in modo unico e distinto al suo periodo storico, e possibilmente alla storia dell’arte. È una curiosità duratura e di ampio respiro, che attraversa i secoli. 

Come descriveresti il suo approccio come curatore?

Direi che uno degli aspetti più piacevoli del lavoro curatoriale è, paradossalmente, la sua natura sisifana: c’è sempre di più da imparare e da scoprire in un campo in continua espansione.

Dopo un’esperienza di otto anni come direttore dello Swiss Institute Contemporary Art di New York, nel 2022 sei diventato direttore delle iniziative strategiche della LUMA di Arles. Che tipo di cambiamenti hai apportato finora e cosa stai progettando per il futuro?

LUMA Arles è un campus di 11 ettari, radicalmente diverso per dimensioni, portata e ubicazione rispetto alla mia precedente esperienza. I cambiamenti avvengono attraverso lo sforzo collettivo e spesso in modo impercettibile. L’organizzazione stessa è un fattore di cambiamento per l’intero settore, in particolare per la libertà e il sostegno che offre agli artisti, ma anche per la centralità senza precedenti della ricerca sul design ambientale per l’Atelier LUMA.

Che tipo di rapporto instauri di solito con gli artisti con cui lavori?

Lavorare con un artista vivente crea uno spazio con un tipo vulnerabilità unica da entrambe le parti, soprattutto quando si lavora su nuove produzioni. L’ignoto alimenta un senso di tensione in cui gli artisti possono prosperare quando ricevono il sostegno, materiale e immateriale, che il loro lavoro richiede. 

Cosa pensi della nuova generazione di creativi e del loro impegno per sensibilizzare l’opinione pubblica su questioni sociali e ambientali attraverso il loro lavoro?

L’arte non esiste nel vuoto e ogni occasione per elevare la conversazione attraverso l’attività creativa dovrebbe essere accolta con favore. D’altra parte, come scrisse Cocteau, “L’emozione che deriva da un’opera d’arte ha valore solo quando non è ottenuta con un ricatto sentimentale”. Gli artisti non sono obbligati a “sensibilizzare”, ma non dovrebbero nemmeno limitarsi a farlo. E quando la libertà di espressione è spesso minacciata, è doveroso che le istituzioni siano al fianco degli artisti che mettono in primo piano, anche quando sono scomodi o inopportuni.

Quest’anno hai fatto parte della commissione che ha assegnato This Is Not a Prize, una delle iniziative previste dal programma Mutina for Art. Cosa ci puoi dire di questa esperienza?

L’iniziativa mi ha colpito per la sua apertura. Poter prendere in considerazione artisti di ogni angolo del mondo e di ogni estrazione sociale e passare del tempo a discutere di opere d’arte e di possibili progetti futuri con un gruppo di persone di talento non è stato solo piacevole, ma anche un modo creativo di pensare oltre i confini del tempo e del contesto. 

Il pittore americano Matt Connors è stato scelto come vincitore del premio. Perché avete scelto lui? Cosa ti ha colpito del suo lavoro?

Sono felice che la giuria abbia scelto di assegnare il premio a Matt Connors, che è un artista che ammiro da molto tempo: non è facile realizzare dipinti astratti in un settore così saturo – eppure ogni volta Matt Connors riesce a creare opere straordinarie con composizioni singolarmente avvincenti, e il suo lavoro continua a evolversi, aprendosi a nuove influenze ed estetiche. Questo risuona con il suo interesse nel pubblicare il lavoro di altri artisti, cosa che fa brillantemente attraverso il suo progetto Pre-Echo Press.